Las mujeres de Klimt

“(. . .)Salí de tu plenitud
sin dejarte vacía porque el vacío
lo traje conmigo.

Vine al mundo y tú me cubriste,
así conocí la desnudez y el pudor,
la leche y su ausencia.
Tú pusiste en mi boca todas las palabras
con la cucharilla, excepto una: mamá.
Ésta la inventan los hijos moviendo los labios,
Ésta el hijo la enseña.(. . .)”


Erri De Luca, Il contrario di uno, p. 10, Feltrinelli, 2003.
(la traducción del italiano al español es mía).



Leyendo las páginas iniciales de este maravilloso libro de Erri De Luca (si nunca lo habéis leído os lo aconsejo), páginas dedicadas a su madre, inmediatamente pensé en una de las obras más conocidas de Gustav Klimt: "Las tres edades de la mujer".


Siempre me ha encantado Klimt: el suyo es un mundo de oro y de colores fuertes que nos remiten a los mosaicos bizantinos; un mundo de motivos floreales que nos hacen pensar en la primavera, o sea en la plenitud de la vida. La vida y la creación son temas apreciados por Klimt, de hecho él los representa sobre todo a través de mujeres: siempre hay mujeres en las obras del pintor austriaco, sobre todo mujeres desnudas que se convierten en emblemas de la creación, del origen de la vida. Entre sus obras más conocidas cabe mencionar "Nuda veritas", "El beso", "El abrazo".

En mi opinión su obra más representativa y la que me emociona mayormente es, sin duda, "Las tres edades de la mujer". El año pasado fui a visitar La Galleria Nazionale di Arte Moderna e Contemporanea, aquí en Roma, y tuve la oportunidad de admirar en vivo este maravilloso cuadro. Si nunca lo habéis visto, y en general, si nunca habéis ido a este museo (en el cual podéis admirar también algunas obras de Monet, Manet y Van Gogh, entre las numerosas que están aquí expuestas) creo que ésta podría ser una ocasión para ir a visitarlo, ya que durante las vacaciones de Navidad tenéis sin duda unos momentos libres. Pongo aquí el link de la web oficial de la Galleria Nazionale di Arte Moderna e Contemporanea de manera que podáis recoger todas las informaciones que queráis.

www.gnam.beniculturali.it/


"Las tres edades de la mujer" es una obra enteramente dedicada al universo femenino, como ya el título explica claramente. Esta obra, realizada en óleo sobre lienzo, representa las diferentes fases que caracterizan la vida de una mujer: la niñez, la madurez y la vejez. Cada una de las tres mujeres puestas en el centro de la escena, es el emblema de una de estas diferentes edades, y la representa de manera muy eficaz. En primer plano hay una joven mujer, que representa la madurez, con la hija en sus brazos, emblema de la niñez: esta pareja es también una representación de la maternidad, elemento central en la vida de las mujeres, el momento mágico de la creación de la vida. Detrás de la pareja, en segundo plano, hay una mujer anciana con el rostro cubierto por los cabellos y que se lleva la mano hacia la cara, una posición ésta muy emblemática y que representa la desesperación causada por la decadencia. El contraste entre la pareja en primer plano y la mujer anciana en segundo plano está acentuado también por el escenario. De hecho detrás de la pareja madre-hija hay un campo de flores caracterizado por los colores vivos, los colores de la primavera, de la creación de la vida; entonces hay un paralelismo entre la naturaleza que nace en primavera y la creación de la vida representada por la maternidad. Detrás de la mujer anciana, en cambio, el escenario no es tan vivaz y alegre como el otro: los colores predominantes son el rojo, el marrón, el oro, que son precisamente los colores del otoño, estación en la cual los elementos de la naturaleza se acercan a su fin, que llegará en invierno. La decisión de representar a las mujeres desnudas es particularmente significativa, ya que a través de los cuerpos desnudos la diferencia entre las tres mujeres es muy evidente; la decadencia causada por la vejez no es simplemente metafórica, sino también física y deja sus huellas en el cuerpo.



Cada vez que miro estas imágenes me emociono como si fuera la primera vez: creo que Las tres edades de la mujer es la obra que sin duda representa de manera más eficaz y profunda el misterio de la vida; a partir de su creación, pasando por su plenitud hasta su decadencia. Me encanta sobre todo la pareja compuesta por la madre y su hija: sus caras serenas, el abrazo que las une, la mano de la niña sobre el pecho de su madre, son todos elementos que expresan de manera sublime la maternidad y sobre todo la relación estrecha e indisoluble entre una madre y su hija.

Entre hadas y princesas: Nicoletta Ceccoli

Este post está dedicado a una maravillosa e ingeniosa artista que no es tan conocida como merecería entre mis coetáneos: me refiero a una joven ilustradora italiana que se llama Nicoletta Ceccoli.
Nicoletta estudió en el Instituto de Arte de Urbino, en Italia, y cuando terminó los estudios empezó a dedicarse a las ilustraciones de los libros infantiles; esta pasión se convirtió pronto en un verdadero trabajo y actualmente es una de las ilustradoras de libros infantiles más apreciadas y conocidas en todo el mundo: de hecho en los últimos años esta joven mujer de 37 años ha ganado algunos premios muy prestigiosos como el Andersen Prize (2001) y el Award of Excellence (2002) para su edición ilustrada de Pinocho.


Los libros ilustrados por Nicoletta son innumerables, en Italia como en el resto del mundo: "Pinocho" de Collodi, "La Foresta-radice-labirinto" de Calvino, "Caperucita Roja" y las fábulas de Perrault, sólo por citar algunos ejemplos célebres. Es necesario subrayar que Nicoletta no es simplemente una ilustradora, de hecho ella ha realizado también muchos dibujos y acuarelas no incluidos en ningún libro; sin embargo también estas obras independientes están caracterizadas por las atmósferas mágicas y surrealistas típicas de los cuentos infantiles.



Si tuviera que buscar un término para definir su arte éste sería sin duda “mágico-realista”: esta definición nos remite directamente a las obras de Franz Kafka y en mi opinión las ilustraciones de Nicoletta Ceccoli tienen algo en común con la obra maestra del escritor checo, "La Metamorfosis". De hecho los dibujos de Nicoletta están caracterizados todos por atmósferas y personajes mágicos y sacados del mundo de la fantasía (sobre todo personajes que tienen la cara de una mujer y el cuerpo de peces, pájaros o animales en general), pero al mismo tiempo tienen siempre un sentido que se refiere a la verdadera vida del ser humano y a sus sentimientos; además es como si sus dibujos estuvieran recubiertos por una bruma de melancolía que tampoco los colores vivaces logran extinguir, y todos estos elementos caracterizan precisamente la historia de Gregor Samsa que se convierte en un escarabajo.



La obra que más me gusta se títula "Daphne": realizada en acrílico sobre papel, este dibujo no está incluido en ningún libro, y entonces es una de aquellas obras independientes que he mencionado antes. Este dibujo me encanta porque es el resultado de una mezcla entre mitología, surrealismo y elementos que nos remiten al tema de la metamorfosis.
Ya el título nos ayuda en la interpretación de las imágenes: de hecho Daphne, en la mitología griega, era la hija del dios fluvial Ladone y de la Tierra; por esta razón la joven mujer está acostada sobre un pez, y las dos criaturas están circundadas por otros peces que salen de los cabellos de la mujer que duerme. La atmósfera mágica de este dibujo es producida sobre todo por la ambientación: el elemento natural en el que viven los peces, el agua, es sustituido por un cielo plomizo. De hecho los peces flotan en el aire en lugar de nadar en las aguas del mar. También la mujer que duerme sobre el pez no tiene las apariencias de una criatura natural: su vestido nos hace pensar en la metamorfosis de las mariposas que, antes de convertirse en maravillosos insectos con alas de mil colores, viven como orugas. De verdad la metamorfosis es el elemento principal del mito de Daphne: de hecho esta historia se concluye con la transformación de la joven mujer en un árbol.



En conclusión, el mundo de Nicoletta Ceccoli es un mundo caracterizado por las criaturas mágicas y mitológicas, las ambientaciones surrealistas y los sueños, todos aspectos que se refieren al género de la literatura infantil; sin embargo sus ilustraciones no están simplemente destinadas a los niños que leen el libro, sino realizadas también para fascinar a los adultos.
Para conocer algo más acerca de Nicoletta y de su arte, podéis visitar su web oficial y su myspace:


www.nicolettaceccoli.com

www.myspace.com/nicolettaceccoli

El mundo de Folon

Hoy me gustaría escribir algo acerca de un artista que me gusta especialmente, ya que sus obras reflejan mi interioridad y mi visión del mundo: este artista se llama Jean Michel Folon.
Antes de empezar me gustaría saber si hay alguien que se acuerde de esta campaña publicitaria de los años 90:





Este spot es la razón de mi amor por Folon.
Cuando era muy joven, siempre veía este anuncio en la televisión y siempre me quedaba encantada delante de estas imágenes poéticas: esta unión entre música y colores ejercía una fascinación impresionante en mi joven mente fantasiosa. Entonces no sabía que el autor de esas imágenes se llamaba Jean Michel Folon y no podía saber que algunos años después sus dibujos recubrirían las paredes de mi cuarto.
Hace algunos años, navegando por Internet, vi algunas imágenes que me emocionaron mucho por su sencillez y fuerza emotiva, y de repente me di cuenta de que ya había visto antes esas formas redondas y esos colores tenues: ¡Claro que sí!
¡Ésas eran las mismas imágenes que tanto me habían impresionado unos años antes!
Desde ese momento fue amor.


Folon es un artista belga que nació en Uccle en 1934 y que desgraciadamente murió hace pocos años, en 2005. Consagró toda su existencia al arte, arte que expresó a través de diferentes técnicas: acuarelas, pinturas a óleo, dibujos, esculturas en madera y en bronce, mosaicos, sólo por citar algunas. Folon es sin duda un artista de 360 grados: de hecho en los años 70 realizó los dibujos para la edición ilustrada de “La metamorfosis” de Kafka; en los mismos años realizó murales en una estación de metro en Londres, y algunos años más tarde dio vida a otro mural en Milán y realizó algunas vidrieras para la capilla de Pisa, sin contar las estatuas en mármol que decoran el pueblo de Pietrasanta, siempre en Italia, y las esculturas en bronce instaladas en el aeropuerto de Bruselas. Además siempre se interesó en los problemas del ambiente y en las causas humanitarias, de hecho en su vida realizó muchos carteles para Amnestía Internacional y para UNICEF: en 2003 llegó a ser embajador de UNICEF y en el mismo año recibió la condecoración de la Orden de la legión de honor por las manos del Presidente de la República francés.



El mundo de Folon es un mundo de formas redondas y de colores tenues: los colores del amanecer y del atardecer. Su escultura y su pintura están caracterizadas por imágenes simples pero con un sublime valor expresivo y con un sentido profundo que nos remiten al mundo infantil donde de hecho las cosas simples tienen siempre un significado más profundo de lo que parece. Folon representa todos los aspectos del ánimo humano y de la vida del hombre: los que se refieren a la persona, como la soledad, el amor, el sufrimiento, la libertad y la esclavitud; pero también los elementos que caracterizan la comunidad humana como las guerras, la paz, la coexistencia pacífica entre culturas, idiomas y religiones diferentes. Es un mundo de hombres: hombres cerrados en jaulas y hombres con alas que vuelan en el cielo, hombres que suben por una escalera para tocar el cielo con sus manos, para seguir sus sueños.



Deseo concluir este post con la obra que en mi opinión representa mayormente el mundo de Folon: se títula “Mort d’un arbre” y es mi preferida sin duda. La imagen es muy simple pero al mismo tiempo muy profunda: como las raíces del árbol que se ramifican en la tierra. Los colores son tenues y nos remiten a los del cielo al atardecer. Mi interpretación de esta obra es la siguiente, aunque es posible observarla desde numerosos puntos de vista: el árbol representa los ideales de paz y de amor de este artista; aunque mueran las personas que encarnan estos valores, aunque en la lucha por defender la libertad casi nunca ganen los mejores, sin embargo estos ideales, a través de los ejemplos de los que han luchado por ellos, siguen existiendo y siguen difundiéndose, a pesar de las apariencias. Como el árbol que muere pero deja sus raíces en la tierra. Como el arte de Folon que sigue viviendo a través de sus obras y en los ojos de los que las miran y que las aman.

Si queréis saber algo más acerca de este maravilloso artista, podéis visitar estos sitos dedicados a él y a su arte:


www.fondationfolon.be


www.folon-art.com


Cuando miro las obras de Folon siempre pienso que si en el mundo hay otras personas como él, hay también posibilidades de que el mundo mejore.

El arte de Marc Chagall

Como en todos los períodos particulares y difíciles de mi vida, en los últimos días muchas veces he buscado consuelo en la pintura, y en particular en las obras de Marc Chagall, que es uno de los artistas que prefiero. A pesar de que sus obras fueron realizadas en un periodo obscuro y difícil de la historia humana, en los años entre la primera y la segunda guerra mundial, y que su existencia fue dolorosa y difícil, su pintura siempre me transmite una sensación de serenidad y de ternura: Chagall es el artista que mejor supo representar todos los matices del amor.





Chagall nace en Vitebsk, Bielorrusia, en 1887, y es el hijo mayor de una pareja de judíos. Viaja mucho durante su juventud: se muda a San Petersburgo, donde aprende el arte de la pintura, y después se une a un grupo de artistas en París donde conoce las vanguardias pictóricas de los primeros años del siglo XX, como el Cubismo y el Fauvismo, que influyen mucho en su estilo. Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, regresa a Bielorrussia donde se casa con Bella Rosenfeld y donde se establece en los años de la guerra. En los años siguientes participa activamente a la Revolución Rusa y es nombrado Comisario de Arte en la zona de Vitebsk, su pueblo natal; algunos años después se traslada otra vez a París. Cuando los nazis ocupan París y empieza la deportación de los judíos, Chagall y su familia se instalan en los Estados Unidos, donde viven los años de la guerra. En 1944 desgraciadamente, muere Bella, su mujer y compañera de vida: el artista sufre de depresión y algunos años después vuelve otra vez a Francia, a Provencia. Se casa por la segunda vez con Valentina Brodsky en 1952. En los años 50 y 60 el artista viaja por todo el mundo: el viaje más importante es sin duda el que hace en Israel, donde crea algunas vidrieras para el hospital de Jerusalén. El pintor muere en 1985, en Saint-Paul de Vence.


Las obras de este pintor están caracterizadas por los colores fuertes y vivos, y todas tienen elementos que nos hacen pensar en los niños y en los cuentos infantiles: siempre hay referencias al mundo animal ( cabras, gallinas, gatos etc..) y las atmósferas son mágicas y surrealistas. A pesar de los sufrimientos y de las injusticias que han marcado su vida, este pintor observa el mundo desde una perspectiva colorida y pacífica: su pintura representa un grito de paz y de amor en los años más obscuros y violentos de la historia. Muchas son también las referencias bíblicas: de hecho el pintor nunca olvida y rechaza sus orígenes; es como si a través de su pintura luchara por defender la dignidad de los judíos y la importancia de su cultura. Otras obras muy importantes son las dedicadas al amor y al matrimonio: éstas transmiten una idea de amor puro, de un amor que va más allá de los aspectos materiales de la vida. Por esta razón Chagall siempre representa a parejas de amantes que vuelan juntos en el cielo.


La obra que más amo se títula “Promenade” (en español sería “El paseo”) y en mi opinión es la esencia del amor: dos amantes que se llevan de la mano, el hombre tiene los pies en tierra y la mujer vuela en cielo. Un elemento importante es el pueblo que está situado detrás de la pareja:quizá sea una referencia al pueblo donde nació el pintor y por el cual siempre sintió un fuerte apego. Las líneas rectas y las formas cuadradas muestran una influencia del Cubismo; los colores fuertes en cambio remiten al fauvismo, dos Vanguardias pictóricas de las primeras décadas del siglo XX que influyen mucho en la obra del pintor.
El amor aquí está representado a través de una sensibilidad y una sencillez únicas: en mi opinión estos dos amantes representan los elementos opuestos que componen el amor; el hombre que tiene los pies en la tierra representa los elementos más concretos y materiales o sea el amor físico que se basa en los elementos corpóreos y que se desarrolla en la vida cotidiana; en cambio la mujer que vuela representa la universalidad del amor, el sentimiento puro que va más allá del tiempo y del espacio y que une a las personas de manera definitiva e imprescindible.

En definitiva el amor es una armonía que nace a partir de la unión de los elementos opuestos.

*° Arte es mi vida °*

¡Bienvenidos a todos!
Como ya está claro a partir del nombre - “Formas y Colores”- éste es un blog sobre el arte y en particular sobre la pintura. Todos los que aman el arte pueden participar activamente dejando sus comentarios y, si les gusta, proponiendo asuntos sobre los cuales yo, y todos los que leen, podamos discutir.
Antes de todo, os explicaré porque decidí escribir un blog sobre un tema tan amplio, entorno al cual ya se ha dicho mucho, como es el arte. Simplemente porque el arte es mi vida. Siempre me he interesado en los colores y en las formas desde que era muy joven; me gustaba muchísimo dibujar y mezclar los diferentes colores para dar vida a algo nuevo y desconocido. Al crecer, estos simples experimentos infantiles se han convertido en una verdadera pasión, y no me limitaba sólo a dibujar sino también admiraba el arte de los grandes artistas: Klimt, Van Gogh, Munch, Matisse, Folon, sólo por citar algunos nombres de los pintores que amo. Así empecé a darme cuenta de que alguien, que vivió muchos o pocos años antes de mí, en otro país, de cultura diferente, que llevaba una vida muy diferente a la mía, había expresado sus sentimientos y su mundo interior a través de la pintura y que yo, a pesar de la distancia física y temporal, compartía sus mismos sentimientos. Éste es el poder del arte y la razón de mi amor: el arte junta al pintor con su público y tambíen a todos los que miran la obra.
Esto es el arte para mí e intentaré explicarlo en mis próximas intervenciones.